Interspecies Kin è la prima pubblicazione che racchiude la ricerca che Giovanni Chiamenti ha condotto negli ultimi due anni. Il progetto si è sviluppato tra gli Stati Uniti, nello specifico a New York durante la residenza presso la NARS Foundation e la successiva collaborazione con il community biolab Genspace, e l’Italia, grazie al supporto dei partner culturali Attiva Cultural Projects e The Blank Contemporary Art.
La pratica di Chiamenti si colloca a metà strada tra la divulgazione scientifica e il suo intento di essere formalmente speculativo, al limite con la fantascienza. L’artista ha creato un glossario organico, originato da relazioni interspecie, in cui le creature dimostrano la loro adattabilità a un ambiente sempre più inquinato e l’ibrido diventa protagonista di relazioni rizomatiche capaci di interconnettere mondi estremamente distanti. I testi della pubblicazione affrontano il tema dell’inquinamento da microplastica che affligge gli oceani e la sua conseguente integrazione nel processo evolutivo di organismi e batteri che abitano le profondità marine. L’argomento è affrontato non solo da curatori e critici, ma anche da un microbiologo marino e da un ingegnere biomedico. Si tratta di un progetto transdisciplinare in cui la potenza immaginativa delle forme generate dall’artista non intende oscurare la componente scientifica, ma al contrario avvicinare il lettore agli studi condotti negli ultimi anni in ambito evoluzionistico.

Epidermis raccoglie suggestioni e scansioni dello spazio urbano, o piuttosto del suo manto decorativo, come pratica analitica per rilevare le storture e insidie del godimento collettivo e democratico dei suoi spazi pubblici. Il libro-cartella dell’artista cipriota Meletios Meletiou, stampato in 100 copie, si compone di quindici tavole stampate in quadricromia e monocolore a partire da elaborazioni grafiche in cui l’artista modella e plasma digitalmente un nucleo di pattern iconici dell’architettura ostile.

Looking for Rianbow è un’azione attivata da Davide D’Elia nel quartiere di Shoreditch a Londra nel 2008 per lanciare una raccolta di immagini e dati su arcobaleni o formazioni iridescenti e farne un database cui attingere per opere successive. Oggi quei volantini colorati, strumenti primari per innescare tale raccolta, tornano in un piccolo volume, in edizione limitata di 50 copie, abbinato al libro Tiepido Cool.

Looking for Rianbow è un’opera cartacea e ossessiva di Davide D’Elia che racconta di una ricerca che da un volantino dalla tipica grafica “cercasi/vendesi/affittasi” muove verso un tentativo di sperimentazione pittorica servendosi del coinvolgimento di una comunità non controllata. Tiepido Cool raccoglie la ricerca artistica di Davide D’Elia degli ultimi quindici anni in un racconto per immagini che segue il criterio poetico introdotto dal titolo. Le due parole, Tiepido, italiana, e Cool, inglese, guidano il susseguirsi delle opere in un percorso che privilegia l’esperienza percettiva piuttosto che quella cronologico-biografica.

Tiepido Cool raccoglie la ricerca artistica di Davide D’Elia degli ultimi quindici anni in un racconto per immagini che segue il criterio poetico introdotto dal titolo. Le due parole, Tiepido, italiana, e Cool, inglese, guidano il susseguirsi delle opere in un percorso che privilegia l’esperienza percettiva piuttosto che quella cronologico-biografica. Percepite dall’artista come antitetiche, Londra e Roma diventano le due estremità di un discorso che confluisce in un punto di equilibrio, mettendo in luce la dualità su cui si impernia il suo lavoro, anch’esso caratterizzato da una doppia appartenenza, all’arte e alla comunicazione. Formatosi come visual designer e approdato a Londra nei primi anni 2000 come creativo, è qui che D’Elia inizia a mettere a fuoco i temi di un’indagine estetica che, al rientro a Roma nel 2011, diventa pienamente consapevole. Le due anime dell’artista si completano permeando opere “calde” di natura organica e opere “fredde” dominate dell’uso di una pittura antivegetativa color iris blue; tra i due estremi un ciclo di lavori “cool” in cui il lessico della boa traduce questa necessaria convivenza tra dicotomie.
Due testi, di Elisa Del Prete e Mike Watson, a loro volta antitetici per latitudine, formazione e stile, tracciano le linee guida per una lettura mai esaustiva del lavoro di D’Elia.

Tiepido Cool è realizzato grazie al sostegno dell’Italian Council (X edizione, 2021), programma di promozione internazionale dell’arte italiana della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura; coordinato e prodotto dall’associazione culturale Nosadella.due con la curatela di Elisa Del Prete e Silvia Litardi del direttivo curatoriale NOS Visual Arts Production, in collaborazione con Viaindustriae publishing e < rotor > Center for Contemporary Art (Graz), partner culturali: Musei Civici d’Arte Antica | Settore Musei Civici Bologna (Museo Davia Bargellini, Bologna); MAXXI, Museo delle Arti del XXI Secolo (Roma); Myymälä2 Gallery (Helsinki); Centre for Poetic Innovation, Universities of Dundee and St Andrews (St Andrews); Cultural Center GRAD (Belgrado).

Bibliothèque d’un Amateur. Richard Prince’s Publications è una pubblicazione-bibliografia di libri e cataloghi d’artista concepiti da Richard Prince dal 1980 al 2020. Il libro è pensato come una biblioteca di titoli schedati con caratteristiche editoriali e stato di usura, catalogando e fotografando di fatto una collezione che è andata in mostra prima a Spoleto poi a Parigi. Questo libro non è un vero e proprio catalogo ragionato, ma piuttosto un invito a sfogliare la biblioteca di un “amatore” e ci permette di considerare questo importante aspetto del lavoro di Richard Prince, artista che si occupa di libri, della pratica del collezionare e della sua incompletezza, qui rivelata dai “fantasmi” dei libri mancanti. Richard Prince è un appassionato designer e collezionista di libri; questo zelo e questo fervore traspaiono in molte opere in cui fotografa i libri della sua collezione, trasformando una pubblicazione in una biblioteca infinita. Bibliothèque d’un Amateur è anche il catalogo della mostra ALL BOOKS AND SOME PRINTS al Centre de la Photographie Genève (16 marzo-30 maggio 2021). Ristampa aggiornata del libro con lo stesso titolo pubblicato nel 2013.

I maestri serie oro è un’opera di Flavio Favelli composta dai 278 fascicoli monografici della serie I Maestri del Colore della Fratelli Fabbri Editori, uscita in edicola tra il 1963 e il 1967, fenomeno culturale di prima grandezza che rivoluzionò il mercato editoriale negli anni del boom economico. Favelli ha lavorato su ciascuna delle iconiche copertine, interagendo con la loro eleganza formale, con il loro equilibrio tra grafica e taglio fotografico dei particolari pittorici. Ha utilizzato una o più cartine dorate dei Ferrero Rocher per occultare i volti dei ritratti, le scene aneddotiche, le porzioni di quadri, affreschi e mosaici dove campeggia la figura umana. Favelli riporta le riproduzioni delle grandi opere d’arte ad uno stato di impenetrabilità, quasi di chiusa sacralità: è un gesto che mescola la cura all’iconoclastia, quasi fosse necessaria una nuova ricarica del senso per delle immagini forse troppo note, persino troppo ammiccanti nella loro conquistata emblematicità. Il libro è il catalogo della mostra dal medesimo titolo presso la GAM di Torino nel 2022. L’opera è vincitrice del dell’avviso pubblico PAC2020, promosso dalla DGCC del Minsitero della Cultura.

1 è un manuale d’artista di Mattia Pajè contenente una serie di istruzioni per l’utilizzo di tecniche paranormali, legate alla cura e allo sviluppo personale – sperimentate da Pajè nel corso della sua ricerca – che nel libro si fondono con appunti e componimenti poetici. Questi sono accompagnati da illustrazioni e tavole grafiche realizzate e selezionate attraverso una rielaborazione iconologica, svolta mediante lo studio di manuali pseudoscientifici e blog indipendenti. La pubblicazione contiene inoltre sei testi che ragionano sull’idea di verità, affrontando il tema dalle diverse angolature degli autori/ricercatori. Contributi di Flavia Monceri, filosofo politico; Stella Succi, storica dell’arte; Giovanni Rendina, curatore d’arte; Bruno Paura, ecologo vegetale; Mariagrazia Ciaccia, counselor e insegnante Hatha Yoga; Simone Romagnoli, pedagogista e informatico; Settimo Catalano, psicoterapeuta. Progetto editoriale realizzato grazie al supporto di Fondazione del Monte, e alla collaborazione di Art City Bologna, MamBo, Arte Fiera, Associazione BOCA e Gelateria sogni di ghiaccio. Pubblicazione curata e coordinata da Giovanni Rendina. Progetto grafico di Marco Casella.

“Oggi l’evidenza è tutto ciò che non siamo più in grado di osservare. È tutto ciò che è minimo, silenzioso, discreto. Tale è questo diario per immagini, un lavoro incessante di perlustrazione, un segno, una frase, una traccia, un momento di ordinaria quotidianità, una strada anonima, un paesaggio desolato, un volto, un punto, una riflessione, forme che ricordano altro, che ricostruiscono altro. […] Creare un museo immaginario di ciò che è evidente vuol dire proprio il contrario, ossia valorizzare ciò che non lo è. Uno strumento musicale che non suona: un ciclo di sculture di alcuni anni fa di Lacchini ci ha fatto comprendere la sua propensione a una dimensione altra, in cui la forma deve muoversi con disinvolta complicità con l’intuizione e, soprattutto, con la riflessione. La sua produzione editoriale, sempre più curata e intensa, è piena di sguardi verso un altrove che nel museo dell’evidenza ritroveremo tutti: sarà un luogo immaginario in cui finalmente fermarci a guardare, dando spazio a ciò che abbiamo sempre ignorato, confrontandoci su ciò che è poco visibile, rispettando tutto quel che è solo apparantemente irrilevante” Lorenzo Madaro

Materia dal fascino misterioso, che sembra appartenere ad un tempo eterno, la neve è un richiamo da sempre per esploratori, scienziati e artisti; sostanza mutevole e al tempo stesso memoria solida del mondo. A partire dal magnetismo che questo elemento suscita verso l’animo umano l’artista Laura Pugno con l’installazione video Over Time esplora le tensioni e le ragioni di questo legame naturale, del bisogno di vivere, studiare e ricercare la neve al tempo delle emergenze climatiche.

Il progetto Untitled (La Pelle della Materia) dell’artista Marco Eusepi (Anzio, 1991), è tra gli 11 vincitori del bando Lazio Contemporaneo, presentato in una doppia esposizione (Chiesa degli Scopoli di Alatri e Citylab971 di Roma) curata da Giuliana Benassi. Il libro-catalogo, a cura di Giuliana Benassi, è corredato dai testi di Luca Mauriello e Augusto Ozzella e dai contributi critici di Lorenzo Madaro e Michela Sena. “Un albero, più precisamente un platano, è il soggetto che l’artista riporta sulla tela, incurante della ripetizione e allo stesso tempo della verietà con cui lo trasforma in superficie pittorica, lui è il protagonista anonimo: untitled, senza titolo. Infatti, i platani sono innanzitutto compagni di orizzonte che Eusepi ha potuto osservare e studiare con lo sguardo nella quotidianità, poiché posti di fronte al suo studio-casa di Anzio per diversi anni e visibili dalla sua finestra. Una presenza costante, monotona, interlocutori passivi per un pretesto pittorico. Eusepi tratta la realtà e i soggetti naturali come delle occasioni pittoriche, paradigmi visivi per sondare la presa del colore sulla tela come “pelle” materica” (G. Benassi).

Exercises on Ezra è un libro d’artista di Enzo Cucchi costruito attorno al nucleo di disegni iterativi e “posturali” sul ritratto di Ezra Pound fatti dall’artista, noché attorno al dittico senza titolo (Pound), lavoro antimemoriale sul poeta, fuoco spaziale e di ricerca della mostra Antifragile presso Colli Independent Art Gallery, Roma. Il libro è una raccolta di disegni, frammenti e annotazioni che fanno da coltre al focus centrale di ritratti di Pound, entrando in relazione tra loro anche grazie al testo Il Grano, scritto da Giuseppe Cucchi e Brunella Antomarini. Il testo si svolge frammentariamente, ricostituendosi alla fine del volume per una lettura compatta ma intrisa di rimandi alle singole pagine, in una continua relazione con gli elementi visivi.

Ubi Consistam è un progetto della compositrice elettroacustica e sassofonista Laura Agnusdei, che comprende cinque composizioni acusmatiche frutto dell’esplorazione sonora di altrettanti luoghi di Bologna. Ogni brano è pensato per essere ascoltato in cuffia visitando il luogo nel quale sono stati registrati i suoni strumentali di cui è composto. L’idea nasce nell’inverno del 2020 quando con la chiusura degli spazi della musica dal vivo, gli artisti sono implicitamente chiamati a abitare nuovi contesti e ad immaginare nuove dinamiche d’ascolto che esulino dalle venue tradizionali. É così che punto d’incontro privilegiato tra musicista ed ascoltatore diviene lo spazio pubblico. Laura decide dunque di dedicarsi alla ricerca di luoghi della sua città che presentino acustiche o/e architetture particolari e di attraversarli a volte con il suono del sassofono, suo strumento d’elezione, altre volte invitando altri strumentisti a prendere parte all’esperimento: Stefano Pilia al contrabbasso, Enrico Malatesta alle percussioni, Flavio Zanuttini alla tromba, Giacomo Bertocchi al clarinetto. Le riprese audio, ad opera della tecnica Azzurra Fragale, sono state fatte con svariate tecniche di microfonazione, raccogliendo di volta in volta specifici punti di vista sonori. La performance è stata, in alcuni casi, guidata da spartiti grafici composti con una logica simile a quello dello storyboard cinematografico, dove però al posto dell’indicazione della posizione della macchina da presa troviamo invece quella del microfono.

La discoteca è un progetto di Jacopo Miliani composto da un film, una scultura luminosa al neon e una pubblicazione. Attraverso un’estetica marcata da numerosi riferimenti culturali e visioni surreali, l’artista propone una narrazione aperta in costante dialogo con lo spettatore riguardo ad argomenti come la costruzione dell’identità, la sfera della sessualità, la queerness, la fluidità di genere, il rapporto tra le scelte personali e quelle imposte dalla società. La pubblicazione condivide una raccolta di frammenti che compongono la ricerca personale condotta da Jacopo Miliani in parallelo alla costruzione del film. Il volume è organizzato in diverse sezioni che mirano a evidenziare come le discoteche possano essere interpretate quali contesti di contaminazione, trasformismo, relazioni amorose e gestualità dal forte potenziale politico e sociale, in grado di offrire una lettura sul presente e una prospettiva sul futuro. Contributi di Jacopo Miliani, artista, Elisa Del Prete, curatrice di NOS, Mariuccia Casadio, art consultant di Vogue Italia, Luca Locati Luciani, saggista, e una conversazione con l’attrice del film Eva Robin’s. La discoteca è il progetto vincitore dell’ottava edizione di Italian Council, programma di promozione dell’arte contemporanea italiana nel mondo della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura (MiC). Coordinato e prodotto dall’associazione culturale Nosadella.due con la curatela di Elisa Del Prete e Silvia Litardi del direttivo curatoriale NOS Visual Arts Production, il progetto nasce in collaborazione con APS Arcigay Il Cassero / Gender Bender Festival; Bottega Bologna; If I Can’t Dance, I Don’t Want To Be Part of Your Revolution; Run by a group / Openspace, ed entrerà a far parte della collezione museale del Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci di Prato.

A Week from Monday è una pubblicazione con cd che raccoglie i materiali sonori e visivi della residenza – dallo stesso titolo – organizzata da Viaindustriae e Holydays a Scopoli (PG) nel settembre 2020. È un diario dei sette giorni trascorsi insieme agli artisti visivi Giacomo Infantino e Francesca Ruberto (di cui sono visibili i progetti fotografici nel libro) e ai musicisti Laura Agnusdei, Matteo Pennesi e Luca Sguera (di cui sono ascoltabili i brani su cd) tra indagine sonora, ricerca visiva ed esplorazione dei territori. Il tema emerge dal titolo del progetto, A Week from Monday, che “cita non letteralmente” un libro tecnico di John Cage (A Year from Monday. Lectures and Writings, 1967), un’agenda di lavoro, pensiero, composizione, scrittura e paesaggio della parola. La temporalità del progetto che si è dipanata su sette giorni, corrisponde alle sette tracce e alla scansione giornaliera tipica della narrazione diaristica da cui, però, si emancipa il contenuto vero e proprio che è, invece, una frammentazione composta da un apparato testuale evocativo ma mai descrittivo, dalle fotografie, dalle scansioni di documenti (appunti tecnici sul suono, liste della spesa, menù, appunti, citazioni), in una sovrapposizione grafica che suggerisce connessioni non necessariamente evidenti, in alcuni casi latenti, che possono essere colte o dimenticate.

Ab Ovo è la traccia di una ricerca sui motivi decorativi che l’artista Adelaide Cioni conduce da più di un anno. Le immagini sono scannerizzazioni di grandi disegni su garza eseguiti durante una residenza presso i Mahler & Lewitt studios di Spoleto, e riportano i motivi trovati su vasellame preistorico. Ricomposti come frammenti, i pezzi di garza alludono a un possibile infinito che è la dimensione implicita di ogni motivo decorativo. Con il sostegno di Mahler & Lewitt studios, Spoleto e di P420, Bologna. 

Helicotrema è un festival non-profit curato da Blauer Hase e Giulia Morucchio. Iniziato nel 2012, presenta un programma di lavori audio registrati, con l’obiettivo di indagare le possibilità di un ambiente e una forma di ascolto collettivo, come avveniva nei primi decenni di radiodiffusione. Il festival è strutturato in una serie di sessioni di ascolto, in cui il pubblico è invitato ad immergersi nell’ascolto di composizioni di autori internazionali. Negli anni il festival è stato ospitato in luoghi molto diversi, indagando sempre come le opere sonore, lo spazio e il pubblico possono fondersi insieme. Il libro è concepito come un manuale/manifesto retrospettivo, una lettura estesa per giocare con il suono, le narrazioni, gli autori, gli spazi, la drammaturgia del pubblico e dell’ascolto. Helicotrema ha commissionato a Marcos Lutyens un nuovo lavoro sonoro presente in un flexi disc come parte della pubblicazione.

La Lince D’Ombra è un racconto di ispirazione mitologica e cavalleresca, con elementi contemporanei e surreali, tipici dei racconti di Vallo di Nera, le cosiddette villanate. Una favola che si ancora alle credenze e alle passioni del territorio, le sue conformazioni geologiche e religiose. Libro d’artista di Francesco Cavaliere, stampato in 100 copie, realizzato in occasione della seconda edizione di Una Boccata d’Arte, curato da Threes productions. Una Boccata d’Arta è un progetto promosso da Fondazione Elpis, in collaborazione con Galleria Continua e con la partecipazione di Threes Productions.

Libro d’artista dove si alterna l’uso di fotografia e disegno. “L’idea è appunto quella di una ricerca di avvicinamento al senso profondo che si svela nella pratica del disegno e della fotografia, nel suo rapporto con l’inconscio, diciamo con la ricerca di sé e del Sé. Lacchini non usa solo il disegno e la fotografia, usa anche molti altri media, la scultur ae la musica all’occasione, ma il disegno e la fotografia sono la parte di questa ricerca più vicina al sé. Lacchini li pratica in senso diaristico proprio per mettere in gioco tale vicinanza: dentro di essi ci sono le tracce della sua vita, di nuovo non in senso documentario ma in quello della ripresa e rielaborazione.” Elio Grazioli

What è un libro d’artista composto da una serie di affermazioni e negazioni che si alternano incessantemente in un ritmo ripetitivo e straniante, indagando la natura del libro come oggetto fisico, come veicolo di comunicazione tra chi scrive e chi legge, come strumento per indagare i meccanismi del pensiero e della realtà. What è il fantasma che rimane quando si mette in crisi l’idea stessa di verità.

Abitata pietra è il progetto editoriale di Antonio Cammareri, Stefania D’Amato e Luogo Comune nell’ambito della residenza itinerante Un atlante del paesaggio rupestre svoltasi tra Matera, Montescaglioso e Mottola. Il libro è frutto di un’intensa ricerca visuale e di sperimentazione narrativa realizzata collettivamente dagli artisti e che ospita contributi
fotografici di cinque autori; una riflessione sul paesaggio raccontata attraverso le immagini. Un insieme di stratificazioni visive e di senso sull’abitare, sul rupestre e sulle comunità.

Il libro racconta il paesaggio lombardo attraverso lo sguardo dei santi con una selezione di circa 1000 immagini raccolte per il progetto di fotografia partecipata Tra cielo e terra dell’artista Claudio Beorchia per il Museo di Fotografia Contemporanea di Cinisello Balsamo. La pubblicazione cita le più classiche tra le edizioni – messale, guida Touring Club Italiano, dizionario – riproponendo in 700 pagine migliaia di immagini tra tavole a colori stampate a tutta pagina e miniature in bianco e nero, oltre a un indice generale che riporta i dati delle 2911 edicole fotografate. Le oltre 200 tavole che aprono il libro, presentano in modo sintetico e rarefatto, fedele al concetto originario della ricerca, il puro sguardo dei santi, in soggettiva, grazie alla sagoma dell’immagine ricalcata esattamente sulla forma dell’edicola da cui la figura si sporge verso l’ambiente circostante.Una selezione di circa 800 miniature in bianco e nero, che mettono direttamente in relazione le immagini dei santi e il loro sguardo, è ordinata attraverso dieci tassonomie. Il volume presenta testi bilingui della Presidente del Museo Giovanna Calvenzi, di Claudio Beorchia e Matteo Balduzzi, oltre a contributi critici di Don Umberto Bordoni, responsabile della committenza artistica per l’Arcidiocesi di Milano e di Paolo Bossi, professore associato di Storia dell’architettura al Politecnico di Milano.

Alla ricerca del tempo perso è il IV° QUADERNO DI IMAGONIRMIA. Un libro-game che accompagna il lettore nel fantastico mondo di Astrusis, “ricercatrice artigiana di Melandra Sud, che nella sua breve ma intensa carriera ha raggiunto obiettivi insperati e fallimenti fortificanti.” GRAZIE (perdere tempo) è un viaggio nel tempo e nello spazio. È un viaggio in un libro. È un tour urbano. È una slabbratura dei sensi e della mente che solo occasionalmente incontra indicazioni stradali ad indicare un approdo, che può essere ripetutamente raggiunto per essere ripetutamente smarrito. È – soprattutto – una dedica alla vita nondimeno che all’arte; ci racconta un’infanzia arborea disseminata in ogni favola umana; spregiudicato e delicato invito a perdite di tempo e stupefacenti giri a vuoto.

Libro d’artista e catalogo della mostra Sinossi (bon voyage) di Pesce Khete, presso Colli Independent, Roma. Analizzando diversi cataloghi d’arte, di pittura, per individuare le tipologie di schedatura delle opere in pittura. Strumento descrittivo della materia della pittura, la scheda supporta l’immagine a restituire in solido l’opera, usando codici fisico-dimesnionali, contestuali, di proprietà: rendendosi “discorsiva” raggiunge la narratività o la processualità. Partendo da una bibliografia selezionata di tipi di pubblicazioni sulla pittura, anche “maestra”, si sperimenta questo dispositivo letterario per indagare l’opera di un artista con parametri poetici-tecnici, in parte prestati dalla storiografia artistica.

Il libro raccoglie testi che raccontano trasversalmente il lavoro dell’artista Paola Anziché – ragionando su tematiche, tecniche, materiali – e immagini. L’intreccio, le fibre naturali, il tessere, i materiali grezzi, gli aggorviglimaneti sono protagonisti. “Nella mia pratica artistica realizzo sculture morbide e tattili a partire da un processo di ricerca in cui indago la possibilità dell’arte di stabilire relazioni con diverse sfere culturali, come il folklore, i rituali antichi, la bioarchitettura o la scienza più avanzata. La mia curiosità mi porta a viaggiare molto e ad entrare in contatto con tradizioni diverse che vengono poi reinterpretate, caso per caso, attraverso un metodo totalmente personale di reinvenzione. Il lavoro manuale, il gesto, l’attenzione ai materiali utilizzati (con una particolare preferenza per quelli naturali), rappresentano il fulcro della mia pratica, generando opere che invitano lo spettatore a sperimentare la loro forma.” Paola Anziché.
Il volume presenta testi bilingue di: Margarida Brito Alves & Giulia Lamoni, Francesca Picchi, Francesca Pasini, Karen Wrigh, Sandro Caranzano.