Seeing Beyond Fading è un progetto che si compone di un'opera filmica, una video-installazione e un libro. Esplora il territorio liminale del fine vita, trasformando il calore da traccia biologica dell'esistenza in pura visione.
Attraverso l'uso di termocamere, Daniele Costa cattura ciò che è invisibile all'occhio nudo: il passaggio del calore tra i corpi, la prossimità tra pazienti, familiari e personale sanitario, e la lenta dissipazione dell'energia termica che accompagna il transito verso il rigor mortis.
Il titolo gioca con la grammatica del montaggio cinematografico: se nel cinema il "fade" segna la comparsa o la sparizione dell'immagine, qui la tecnologia termica permette di "vedere oltre la dissolvenza", rendendo tangibile l'astrazione.
L'immagine termica, infatti, agisce come un processo di de-identificazione: il corpo perde i suoi tratti somatici per diventare un paesaggio e uno spettro luminoso che si consuma fino a confondersi con il vuoto circostante. Il libro diventa un corpo a sua volta: una pelle sensibile che trattiene luce e calore. Seeing Beyond Fading mostra come, in questo passaggio tra visibile e invisibile, la materia si trasformi: in una prospettiva eternalista, la morte cessa di essere annientamento o fine e si rivela come continuum.

Questa pubblicazione nasce inizialmente come guida gratuita alla mostra Listen to Your Eyes. Opere e letterature artistiche da una collezione privata.

La guida è articolata in capitoli che corrispondono alle stanze tematiche del percorso espositivo, e ciascuno di essi raccoglie la riproduzione delle opere in mostra e la selezione di libri, documenti, pubblicazioni e materiali effimeri presentati come una sorta di bibliografia illustrata.

La mostra presenta una selezione di opere provenienti dalla collezione di Primo De Donno, custodita a Foligno. Il percorso espositivo riunisce lavori di artisti fondamentali del Novecento come Giorgio de Chirico, Lucio Fontana, Alberto Burri, Piero Manzoni, Mario Schifano, Alighiero Boetti, Gino De Dominicis, Enzo Cucchi, insieme a protagonisti emersi negli anni Novanta, tra cui Vanessa Beecroft e Stefano Arienti.

Accanto alle opere, un’ampia selezione di libri, documenti, pubblicazioni e materiali effimeri permette di approfondire il rapporto binario tra opera d’arte e “letteratura”: un viaggio attraverso alcune delle principali figure e poetiche, movimenti e correnti del XX secolo fino ai giorni nostri, abbracciando un secolo di storia dell’arte.

Al termine della mostra, la pubblicazione è stata ampliata con un inserto disseminato lungo tutta la guida. Stampato su carta argentata, l'inserto raccoglie stralci delle conversazioni tra i curatori, configurandosi come una riflessione postuma che restituisce il processo di costruzione della mostra e mette in luce aspetti della natura della collezione. La pubblicazione presenta, inoltre, un'ulteriore selezione di immagini trasformando la guida in una pubblicazione autonoma.

Sensing Interdependence è un libro e una mostra (de Appel, Amsterdam, 27.06–10.08.2025) sul lavoro del collettivo A4C-artsforthecommons, nato nel 2016 su iniziativa dell’artista ecuadoriana Rosa Jijón e l’attivista e ricercatore italiano Francesco Martone.

A4C-artsforthecommons si propone come una piattaforma per artisti e attivisti impegnati nell’esplorare le intersezioni tra produzione visiva e lotta per la riappropriazione dei beni comuni.

A4C si occupa di questioni urgenti legate alla mobilità umana, ai confini, alla giustizia sociale e ambientale e ai Diritti della Natura. Favorendo lo scambio, l’azione reciproca e la creazione collettiva, A4C opera come dispositivo di collaborazione che mira a rendere possibile una nuova forma di bene comune — uno spazio condiviso che unisce arte contemporanea e impegno politico.

A4C esplora gli spazi interstiziali tra potere e comunità, tra il sistema artistico tradizionale e la società, e tra stati e territori. La sua pratica abbraccia la documentazione e la critica archivistica come forme integranti di ricerca artistica.

Architecture of Invention (Architettura dell'invenzione) è una bibliografia visuale di architettura inedita in forma di ricerca testuale, critica e autoriflessiva. Le trame e i rimandi tra le pubblicazioni, non necessariamente coeve e simpatetiche, proiettano verso una poetica del disegno utopico e del progetto radicale

I titoli, ampiamente illustrati, si intercalano su 10 sezioni tematiche e disegnano diverse traiettorie culturali e movimenti in una linea del tempo irregolare: Architettura dinamica (avanguardie), Architettura infinita (lo spazio magico e numerico), Architettura elementare (il progetto primario), Architettura razionale-irrazionale (costruzione/decostruzione), Architettura dell’immagine (pop e spazi iconici), Architettura interplanetaria (super-architettura e utopia), Architettura concettuale (semiosi), Architettura del corpo (della performance), Mega-architettura (la città metabolica), Hardcore Architecture (lo spazio contemporaneo della crisi). 

La ricerca copre l’arco di un secolo che ha ispirato incroci tra architettura e altre settori di ricerca ispiratori e affini, con diversi innesti o perturbazioni di letterature altre, studi di confine disciplinare, rotture avanguardistiche, operazioni anti-accademiche, avventure contro-editoriali.

 Nei formati, questo approccio si traduce in un repertorio variabile di dispositivi come fogli in stile manifesto, libri passionali di profezie architettoniche, di movimenti di formazione, magazine collettivi, redazioni di antologie impossibili o pamphlet minimi filosofici e polemici, fascicoli radicali, allegati o articoli-intervento di rivista, tavole di progetto, libretto teorico o d’artista.

Il progetto è una riflessione critica sul fallimento, osservato attraverso la presenza di svastiche mal disegnate su muri e superfici pubbliche in tutta Italia. Frutto di una ricerca condotta tra il 2009 e il 2025, riflette su come uno dei simboli più antichi e diffusi — successivamente appropriato dal regime nazista—venga ripetutamente disegnato in modo errato da chi cerca di riprodurlo per affermare un’autorità ideologica, trasformando il simbolo in un sorprendente risultato di fallimento e rivelando l’incompetenza dei suoi autori, minando così le stesse pretese di rigore e controllo che avrebbero dovuto trasmettere.

Combinando umorismo, critica politica e una riflessione personale radicata in un pensiero di sinistra, Epic Fail 2009-2025 colloca questi fallimenti grafici all’interno di un quadro più ampio di produzione e collasso ideologico. Esso considera come l’incompetenza operi non semplicemente come un difetto accidentale, ma come espressione di un più vasto smarrimento politico e culturale. Il progetto prende inoltre in esame questi fallimenti in un contesto più ampio di lotta personale e collettiva, in cui sconfitta politica, assurdità e risata sembrano spesso manifestarsi insieme.

Concepito come una riflessione estesa su una pratica sviluppata nell’arco di oltre due decenni, il libro mira a restituire la complessità di un corpus di opere che attraversa fotografia, collage, immagini trovate, disegno e video, tracciandone l’evoluzione dalle sue prime formulazioni fino al presente.

Per Spranzi, fotografia e video sono, prima di tutto, modi di vedere e di reimmaginare il mondo. Piuttosto che privilegiare la tecnica, la sua attenzione si concentra sui gesti elementari dell’atto fotografico — guardare, ingrandire, ridurre, riprodurre, riassemblare — intesi come azioni attraverso cui l’immagine viene continuamente analizzata, spostata e riscritta. Questi processi generano insiemi di opere in cui frammenti, oggetti e memorie vengono messi in scena, e in cui ciò che è familiare viene sottilmente destabilizzato da slittamenti e sospensioni di significato.

Sviluppato in stretto dialogo con l’artista e con il graphic designer Filippo Nostri, il progetto editoriale si articola lungo percorsi sia cronologici sia tematici. Il volume espone l’evoluzione della pratica di Spranzi mettendo in primo piano una serie di motivi ricorrenti che attraversano e strutturano costantemente la sua ricerca, come la tensione tra scala e intimità, la circolazione e trasformazione delle immagini e l’oscillazione tra realtà e meraviglia.

La pubblicazione presenta contributi originali di Cecilia Canziani, Ilaria Gianni, Estelle Hoy, Quinn Latimer e Simone Menegoi, i cui saggi offrono letture storicamente fondate, prospettive critiche e deviazioni poetiche che si affiancano e risuonano con il lavoro di Spranzi.

Il lavoro dell'artista palestinese Taysir Batniji (nato a Gaza nel 1966, vive a Parigi) è indivisibile dalla storia collettiva della sua terra e del suo popolo, sebbene vista attraverso il prisma delle vicende personali. Usando fotografia e video, disegno e pittura, scultura e installazione, dà vita a opere venate di un senso di impermanenza e fragilità, che esplorano il confine tra visibile e invisibile, materiale e immateriale, presenza e assenza.

La riflessione poetica e un'ironia amara sono i mezzi con cui Batniji affronta il trauma dello sradicamento e la rappresentazione della scomparsa. Questo libro, il cui titolo è tratto da un verso di Mahmud Darwish, racconta la sua mostra Abitare il tempo, tenutasi negli spazi di Fondazione Ago a Modena, e presenta due cicli recenti di opere: Out of the Blue e Remnants, quest'ultimo nato da una meditazione dolorosa sulle immagini del genocidio nella Striscia di Gaza.

Con un testo originale di Karim Kattan.

Artists Making Books racconta il lavoro di artisti e artiste che hanno ampliato i confini del libro come oggetto e come mezzo di espressione. Attraverso interviste e saggi esclusivi, i contributori indagano le relazioni tra autori e autrici, lettori e lettrici e collezionisti/e, e riflettono sulle pratiche artistiche e sulle dinamiche che rendono i libri d’artista oggi così interessanti e significativi. La mostra, presentata all’American Academy in Rome nel 2024 e curata da Ilaria Puri Purini, ha esposto esempi di approcci radicali al libro: sovvertire, inventare, invertire e celebrare lettere, parole, testi, forma e struttura; una storia selezionata di come i libri sono stati realizzati con soluzioni creative e grafiche diverse. Osservando la relazione tra le avanguardie storiche e il momento contemporaneo, Artists Making Books mostra come il libro sia stato, e continui a essere, un oggetto di sperimentazione, un modo per resistere ai vincoli commerciali e, in ultima analisi, diventare uno spazio di rifugio.

Attraverso interviste esclusive e saggi, gli autori esplorano le relazioni che i libri instaurano tra artisti, lettori e collezionisti, esaminando al contempo le pratiche artistiche e le strutture di potere che rendono i libri d’artista così rilevanti e culturalmente significativi oggi.

Il lavoro di Sara Basta si sviluppa attorno a una riflessione profonda sulla relazione, sulla cura e sulla memoria come processo vivo. Attraverso pratiche che intrecciano arte partecipata, pedagogia, performance art, e uso del tessuto, l'artista costruisce spazi in cui l'esperienza individuale diventa materia condivisa. Tesoro carissimo raccoglie questa ricerca lenta e attenta proponendo un archivio affettivo fatto di voci che ricordano e raccontano.

Pensieri fuggitivi è il titolo della mostra di William Kentridge negli spazi del Piano Nobile di Palazzo Collicola, che presenta un’ampia selezione di opere realizzate negli ultimi venticinque anni dall’artista sudafricano. Un arco temporale così esteso consente di cogliere la profondità, la coerenza e l’evoluzione della sensibilità artistica di Kentridge, offrendo al pubblico una visione ampia e articolata della sua produzione, con disegni, sculture, video, stampe, e taccuini a comporre un repertorio ricco e sfaccettato, che vede l’esposizione di oltre cinquanta opere.

Il titolo, Pensieri fuggitivi, richiama non solo un video presente in mostra (Fugitive Words), ma anche la matrice concettuale dell’artista: un pensiero in costante movimento, dove nulla è definitivo e tutto può generare connessioni inattese.

Catalogo della mostra Pensieri fuggitivi, Palazzo Collicola, 28 giugno 2025 - 11 gennaio 2026, a cura di Saverio Verini.

In Helicopter, Barbara Chase-Riboud ha creato un melologo ispirato e appassionato, dotato di una forza evocativa quasi fisicamente palpabile, come una scultura. Nel linguaggio audace e ardito del qui e ora, scorre sempre una corrente sotterranea di sentimento che può, in qualsiasi momento, esplodere in un mondo abbagliante di nomi, luoghi e sensazioni. Il suo dono particolare risiede nella capacità di attingere all’atmosfera—ai segni e ai simboli attraverso i quali, con una sua stenografia impeccabile e toccante, cattura insieme il liberarsi dell’emozione e il rifugio in essa.

Hill of Desires è un dispositivo editoriale condiviso che assume l'arte contemporanea come pratica situata, localizzata nei territori marginali e nelle aree interne dell'Europa. Un esercizio di immaginazione radicale che riconosce la ruralità come spazio di contro-narrazione, capace di generare ecologie politiche, dispositivi affettivi e forme di sapere non istituzionali. Un contributo critico alla ridefinizione delle geografie culturali e dei paradigmi curatoriali, oltre la logica dell'evento. Il progetto editoriale si articola in cinque sezioni: un atlante visivo con opere di riferimento create in Italia dal 1960 a oggi, tre sovraccoperte d'artista appositamente realizzate, nove testi inediti, una bibliografia collettiva e la documentazione fotografica del progetto pluriennale Traffic Festival.