Ogni anno, al Carnevale di Sant’Eraclio (Foligno, PG), sfilano carri allegorici. Vengono fatti in cartapesta usando tre tipi di giornale: bianco (La Nazione), giallo (Il Sole 24 Ore), rosa (La Gazzetta dello Sport). Quattro prova ad aggiungere un quarto colore. Quattro può essere acquistato con o senza multiplo in edizione limitata.

Ogni anno, al Carnevale di Sant’Eraclio (Foligno, PG), sfilano carri allegorici. Vengono fatti in cartapesta usando tre tipi di giornale: bianco (La Nazione), giallo (Il Sole 24 Ore), rosa (La Gazzetta dello Sport). Quattro prova ad aggiungere un quarto colore. Questa versione di Quattro si presenta con multiplo in edizione limitata, un piccolo carro con il quale il libro può essere trasportato.

Contenuto Rimosso è un “esperimento di psicanalisi applicata all’ambiente”. Un lavoro sulla memoria collettiva, che affronta la questione dello spopolamento delle aree montane, sperimentando un’arte di comunità laddove sopravvivono forme di vita comunitarie che hanno una tradizione secolare, nelle comunità alpine. In particolare, Contenuto Rimosso fa riferimento alla natura paradossale di un processo di ricostruzione che è stato al contempo un processo di rimozione collettiva, il Rifabbrico in Cadore.

La sera del 30 luglio 1855 un incendio distrusse il centro storico di Lorenzago. L’abitato venne ricostruito dando origine al Quadrato, un quartiere oggi per lo più disabitato. Il progetto Contenuto Rimosso prevede dal 2012 l’interruzione dell’illuminazione pubblica lungo le strade del quartiere e un’installazione di fuochi, torce e candele nella ricorrenza dell’incendio. Negli anni l’azione è diventata una nuova tradizione, la festa principale del paese. Contenuto Rimosso non è un evento “commemorativo” propriamente detto, perché non celebra o perpetua la memoria di qualcosa. La riattualizzazione della memoria dell’incendio è pensata come innesco per far emergere una “contro-immagine”, far sì che la comunità locale si riappropri del proprio passato utilizzando lo spazio pubblico come luogo per l’elaborazione di un’immagine di sé inversa a quella stereotipata. Con la ritualizzazione di una ricorrenza e la costruzione di una narrazione attorno ad essa, Contenuto Rimosso contribuisce alla consapevolezza di un cambiamento lontano nel tempo, non presente, appunto rimosso, collocandolo stabilmente nel passato. Contribuisce così, non solo formalmente, con la costituzione del Comitato 30 luglio, un comitato cittadino nato nel 2017 a sostegno del progetto, ma anche agendo nel profondo dell’inconscio collettivo, alla formazione di un nuovo soggetto, consapevole del proprio passato e perciò libero dai suoi fantasmi.

Contenuto Rimosso non rappresenta la comunità e il territorio, li costruisce. Il Comitato 30 luglio è costituito dalle sezioni locali delle associazioni: ANA – Associazione Nazionale Alpini, CAI – Club Alpino Italiano, Associazione Bellunese Volontari del Sangue, Vigili del Fuoco Volontari; dalla Schola Cantorum Lorenzago, dal Bar Cooperativa e dal Chiara Trivelli Studio.

Questa monografia dedicata al lavoro di Cleo Fariselli, la prima nel suo percorso artistico, racconta il processo poetico e formale da cui è stato generato il progetto di immagini in movimento Your Storm Our Dew (2023), che esplora l’inconscio collettivo contemporaneo al tempo della normalizzazione degli stati di emergenza. In YSOD, l’artista trasforma coperte termiche, tute protettive, giubbotti ad alta visibilità, coni di sicurezza e megafoni in creature tanto giocose quanto inquietanti, ossia grandi pupazzi che, illuminati da lampi di luce improvvisi, escono dall’oscurità del loro habitat per poi sparirvi di nuovo poco dopo tra lo stupore di chi li sta guardando.
A completamento del film, i contributi di Lucia Aspesi, Cleo Fariselli, Chus Martinez e Guido Santandrea gettano nuova luce sulla pratica multidisciplinare dell’artista. Allo stesso tempo, esplorano le zone d’ombra del pensiero antropocentrico all’incrocio tra arte e scienza, chiedendosi in ultima analisi come il passato e il presente informino il futuro della nostra immaginazione. Esplorando la forza immaginifica degli elementi oggettuali tipici degli stati di emergenza, l’artista dà vita a un mondo a sé, illuminato dall’incessante lampeggiare delle sirene, creando un nuovo ambiente emozionale, narrativo ed estetico.

La sostanza agitata presenta le opere di undici artisti under 35 legati da un comune interesse per la dimensione installativa e plastica e, in generale, per la relazione tra l’opera e l’ambiente che la accoglie. Il titolo fa riferimento al carattere sperimentale e difficilmente classificabile delle opere in mostra, alla eterogeneità dei materiali utilizzati e a un approccio che – tra leggerezza e monumentalità, tra ironia e questioni che riflettono i cambiamenti sociali in atto – dichiara una derivazione esplicitamente scultorea. A ogni artista è affidata una stanza, offrendo così al visitatore l’opportunità di immergersi nelle singole poetiche, tra materiali organici e industriali, verticalità e orizzontalità, movimento e staticità, opere formate da pezzi unici e altre che tendono a una disseminazione se non a una vera e propria moltiplicazione. Catalogo della mostra La sostanza agitata, a cura di Saverio Verini, con Francesco Bendini, Paolo Bufalini, Lucia Cantò, Giovanni de Cataldo, Binta Diaw, Bekhbaatar Enkhtur, Roberta Folliero, Jacopo Martinotti, Lulù Nuti, Giulia Poppi, Davide Sgambaro, 24 giugno – 16 ottobre 2023, Palazzo Collicola, Spoleto (PG)

Turbomondi (Stratigrafia) racchiude il percorso realizzato da Andrea Martinucci tra il 2020 e il 2023, dedicato ad una ricerca su mondi sospesi popolati da creature che investigano la loro integrità in una continua evoluzione tra di loro. Turbomondi, raccolta di trattamenti cinematografici dell’artista e della sceneggiatrice Laura Sinceri, ha preso la forma di una sceneggiatura cinematografica unica che a partire dal 2021 è stata affidata a dodici figure che l’hanno interpretata per un tempo specifico, consentendo loro di scrivere commenti, fare osservazioni, rimuovere pagine, disegnare o addirittura distruggere parti di essa. La stratificazione di voci e impressioni diverse che ridefinisce virtualmente il significato del testo originale, viene trasformata in un archivio personale e pubblicazione che traccia l’evoluzione per seguire e la trasformazione plurale dei suoi contenuti. Contributi al progetto di Alice, Lisa Andreani, Maria Vittoria Di Sabatino, Aurelio Di Virgilio, Francesca Ferrari, Giulia Geromel, Marialaura Grandolfo, Pietro Librizzi, Zeno Piovesan, Cecilia Saita, Carla Subrizi, Cosimo Rizzo.

In occasione dei 700 anni dalla morte di Dante Alighieri, l’Istituto Centrale per il Catalogo (ICCD) e la Documentazione propone il progetto The Mimetic Observer, frutto di una profonda analisi e riflessione che guarda al mondo del Poeta in modo del tutto inedito: si concentra sugli oggetti, i paesaggi e gli altri elementi naturali di cui Dante Alighieri si occupa nella sua opera maggiore. La mostra e il libro raccolgono 27 opere fotografiche realizzate da Carlotta Valente, con la collaborazione di Joaquin Paredes, sul tema della luce e dell’immaginario dantesco nella Divina Commedia. La narrazione luminosa e fotografica prende vita attraverso una meticolosa ricostruzione di immagini e illusioni ottiche tratte dalle tre cantiche, con l’ausilio dei primi processi fotografici analogici, alternando la stampa ai sali d’argento su carta opaca, alla cianotipia su vetro e alla dagherrotipia su lastre di metallo. Le fotografie sono organizzate in tre serie di nove immagini che riprendono le cantiche dantesche a loro volta presentate secondo una diversa e precisa intensità di luce (Inferno/oscurità, Purgatorio/luce, Paradiso/bagliore). Il libro si apre con un testo di Giulio Ferroni. Il progetto è stato sostenuto dal Comitato Nazionale per le celebrazioni del 700° anniversario della morte di Dante Alighieri. Le fotografie degli animali sono state realizzate grazie alla collaborazione del Museo Civico di Zoologia di Roma.

Il Grillo Minerva è una storia che parla di una città sconosciuta. Una città costruita con delle pietre animali. Due fratelli, in pausa da un lungo viaggio, in qualche modo ne scoprono l’esistenza. Libro d’artista di Francesco Cavaliere, stampato in 100 copie.

Ginestra Finenstra è il “quotidiano” immaginario della città di Gestri; città d’invenzione nella quale Cavaliere sta ambientando parte dei suoi ultimi lavori. In questo primo numero: l’arrivo di Volta di Lame di Lune nei borghi del paese, l’incantatore di campanelli e un esclusivo articolo su Gennarino Speri, l’uomo che riuscì ad entrare nella torre principale della città.

Catalogo della mostra dallo stesso titolo, curata da Ilaria Bernardi presso la Fondazione Malvina Menegaz per le Arti e le Culture, Castelbasso (TE).
Enzo Cucchi (Morro d’Alba, Ancona, 1949) uno dei più importanti artisti italiani.
Ha concepito la mostra come un excursus nella sua produzione pittorica e disegnativa degli ultimi dieci anni, finora ancora poco indagata. Il libro, costruito in diretta collaborazione con l’artista, raccoglie tutti i lavori in mostra, evidenziando in forma cartacea la specificità di ogni medium utilizzato negli spazi di palazzo De Sanctis (pittura, disegno, installazione). Le immagini sono messe in relazioni con alcuni pensieri dell’artista in riferimento ai soggetti e le tecniche utilizzate. Introducono il volume i testi di Osvaldo Menegaz, presidente della Fondazione Malvina Menegaz per le Arti e le Culture, e della curatrice Ilaria Bernardi.

A Week from Monday 2021 è una pubblicazione con cd che raccoglie i materiali della seconda edizione della residenza – dallo stesso titolo – organizzata da Viaindustriae e Holydays a Scopoli (PG) tra agosto e settembre 2021. È un diario dei sette giorni trascorsi insieme all’artista visivo Davide Barbini (di cui sono visibili i disegni nel libro) e ai musicisti ksara, Vincenzo Marando, Steve Pepe (di cui sono ascoltabili i brani su cd) tra indagine sonora, ricerca visiva ed esplorazione dei territori. Il titolo del progetto, A Week from Monday, “cita non letteralmente” un libro tecnico di John Cage (A Year from Monday. Lectures and Writings, 1967), un’agenda di lavoro e pensiero. Al centro della ricerca sonora, la canzone e la voce.

Le cinque tracce, composte con strumenti acustici ed elettronici, rappresentano la messa in suono di intuizioni e suggestioni raccolte dai musicisti direttamente dal contesto in cui si sono trovati a operare. Il lavoro di Davide Barbini, invece, si presenta come un video-diario che raccoglie un susseguirsi di azioni e idee, concepito in contemporanea con i disegni e gli appunti qui riportati, una sorta di sceneggiatura che ordina il girato. All’interno del libro è presente una cartolina con QR code per accede all’ascolto digitale delle tracce sonore e al video di Davide Barbini.

Il progetto editoriale Caro Campo. Diario di lavoro nasce dal più ampio progetto Campo, l’esperienza umana, artistica e ambientale vissuta da Alberonero tra il 2019 e il 2021 sulle sponde del fiume Secchia a Campogalliano (MO), in simbiosi con un campo di duecentonovanta pioppi sino al loro taglio. Immerso quotidianamente in questo spazio, Alberonero ne ha accompagnato i mutamenti naturali trasformando porzioni di campo attraverso venti opere temporanee. Il workbook evoca le proporzioni portatili dei “quaderni di campo”, i libri resistenti in grado di listare le “trans-azioni”, i movimenti da tracciare sia come esperienza “poetica” che come diario di lavoro.
Caro Campo. Diario di lavoro è prodotto da STUDIO STUDIO STUDIO, edito da Viaindustriae e realizzato grazie al sostegno dell’Italian Council (XI edizione, 2022), il programma di promozione internazionale dell’arte italiana della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. Partner culturali: Arte Sella – The Contemporary Mountain, Borgo Valsugana (TN), Italia; Associação Anda&Fala, Isole Azzorre, Portogallo; Domaine de Boisbuchet, Lessac, Francia; CENTRO DE INVESTIGACIÓN ARTE Y ENTORNO, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spagna; University of Balamand, Tripoli, Libano; Taller Chullima, La Habana, Cuba.

Pila Thinkerwiller è un’opera composta da due placche metalliche, una di rame e una di zinco, collocate alle estremità nord e sud del borgo di Toscolano. Questi due elementi sono posizionati nei punti cardinali nord e sud per immaginare il borgo come una grande pila, il cui polo positivo è costituito dalla lastra in rame e il polo negativo da quella in zinco. Entrambe sono state incise a partire dai disegni dell’artista. La lastra in rame raffigura le idee e gli auspici degli abitanti rispetto al proprio borgo, raccolti da Pajè durante la sua permanenza. La lastra in zinco, invece, riporta forme geometriche, numeri e diagrammi derivanti dalla ricerca dell’artista su teorie spirituali, magiche, e pseudoscientifiche. Questa indagine interessa l’artista sia da un punto di vista estetico che speculativo. Le teorie da lui studiate hanno infatti dato vita ad una serie di elementi grafici che, secondo Pajè, hanno un potenziale valore formale, utilizzabili come un vero e proprio alfabeto visivo. Inoltre, portano alla luce temi centrali nella contemporaneità, come la costruzione del discorso ufficiale sulla verità e le diverse e inusuali forme di codifica della realtà, del tempo e della storia. L’utilizzo del rame e dello zinco allude ai primi generatori statici di energia elettrica inventati tra la fine del XVIII e l’inizio del XIX secolo da Alessandro Volta e John F. Daniell. Altro riferimento sono le tecniche iniziatiche di una piccola comunità montana del Caucaso, riportate in un manoscritto del 1955 di S. C. Walewski, per il quale rame e zinco sono alla base della costruzione di dispositivi analogici che generano una micro corrente nel corpo umano, utile a riequilibrare le energie vitali e amplificare le intenzioni di chi li utilizza. Pila Thinkerwiller rielabora questa tecnica, trasferendo poeticamente il suo presunto funzionamento dal corpo umano al borgo abitato. Pila Thinkerwiller èun amplificatore di idee, un ritratto di un tempo, di un luogo e di una comunità.

Earth Field Land Clay sono parole diverse che ruotano attorno a un unico elemento: la materia, su cui si costruisce la poetica di questa pubblicazione. Earth Field Land Clay è un libro d'artista, in cui il tema del processo di realizzazione degli oggetti viene affrontato facendo un parallelo tra il processo della ceramica e i processi geologici del pianeta. La pubblicazione presenta una serie di immagini di oggetti realizzati dai partecipanti ai laboratori "fare l'immateriale" ideati dall'autore del libro e tenutisi in varie città d'Italia. Il libro contiene un saggio critico scritto dalla curatrice Jo Melvin, sui processi collettivi di creazione di oggetti in relazione al territorio e sul carattere trasformativo di queste azioni.

Dieci anni di pratiche performative della Compagnia Pietribiasi/Tedeschi intorno al progetto long term #memoriedelsuolo raccontate attraverso la rielaborazione di un’ampia gamma di materiali. Un percorso creativo dove la temperatura emotiva e il grado di verità del lavoro comune del duo di artisti Cinzia Pietribiasi e Pierluigi Tedeschi mette in dialogo memoria collettiva e archivio, con processi, sperimentazioni, letture, scritture, gesti scenici, azioni pubbliche.

“Questo libro parla d’amore, vita, morte e resurrezione. Nel Marzo del 2008 moriva Carla, l’amore della mia vita. Eravamo insieme da 35 anni e non ci eravamo mai lasciati. Il doloroso senso di mancanza aveva creato in me un vuoto che percepivo come una mezza morte. Posto ai bordi di quell’oscuro baratro mi distolse un richiamo alla vita. Era Evelina, anche lei sofferente per la perdita dell’amica. Demmo inizio ad una corrispondenza via mail quasi quotidiana durata un paio d’anni, scrivendo di argomenti suggeriti dal nostro stato di lutto. Da quelle numerosissime pagine ho estratto brevi frasi che ricostruiscono il dialogo d’allora per questo libro d’artista. Nella facciata a fronte di ogni frase ho disegnato un bollo nero differenziato solo dal profilo esterno. Buco nero dove ogni cosa sembra precipitare. Bottone di tessuto nero che anni fa veniva portato al bavero della giacca dei maschi in lutto.” Aldo Grazzi

"Che cos'è un documentario?" "Perché faccio documentari?". Soda Kazuhiro - uno dei più importanti registi giapponesi, che ha basato la sua carriera documentaristica su un metodo di ripresa radicalmente indipendente - scrive questo diario riflessivo sul proprio lavoro cercando di trovare risposte a queste e ad altre domande cruciali che sono emerse nel suo lungo percorso di ricerca. Questa prima versione inglese curata del suo testo più illuminante e completo è stata arricchita da un inedito apparato iconografico tratto dai film di Soda Kazuhiro e da una nuova introduzione aggiornata dello stesso autore.

Interspecies Kin è la prima pubblicazione che racchiude la ricerca che Giovanni Chiamenti ha condotto negli ultimi due anni. Il progetto si è sviluppato tra gli Stati Uniti, nello specifico a New York durante la residenza presso la NARS Foundation e la successiva collaborazione con il community biolab Genspace, e l’Italia, grazie al supporto dei partner culturali Attiva Cultural Projects e The Blank Contemporary Art.
La pratica di Chiamenti si colloca a metà strada tra la divulgazione scientifica e il suo intento di essere formalmente speculativo, al limite con la fantascienza. L’artista ha creato un glossario organico, originato da relazioni interspecie, in cui le creature dimostrano la loro adattabilità a un ambiente sempre più inquinato e l’ibrido diventa protagonista di relazioni rizomatiche capaci di interconnettere mondi estremamente distanti. I testi della pubblicazione affrontano il tema dell’inquinamento da microplastica che affligge gli oceani e la sua conseguente integrazione nel processo evolutivo di organismi e batteri che abitano le profondità marine. L’argomento è affrontato non solo da curatori e critici, ma anche da un microbiologo marino e da un ingegnere biomedico. Si tratta di un progetto transdisciplinare in cui la potenza immaginativa delle forme generate dall’artista non intende oscurare la componente scientifica, ma al contrario avvicinare il lettore agli studi condotti negli ultimi anni in ambito evoluzionistico.

La migrazione globale è uno dei fenomeni della contemporaneità, ma anche un leitmotiv nell’opera di Massimo Ricciardo. Nel suo più recente progetto, l’artista fa dialogare oggetti fotografici della Fototeca del Kunsthistorisches Institut in Florenz con oggetti della migrazione: cose funzionali al viaggio, come passaporti e carte nautiche, ma anche all’identità e alla memoria, come fotografie di famiglia, diari, un campione della terra d’origine. L’installazione ha generato quesiti di stringente attualità intorno a questi oggetti “parlanti”: a chi appartengono? Sono parte del patrimonio culturale? Quali sono le pratiche artistiche e curatoriali appropriate se si decide di raccoglierli, archiviarli, esporli, trasformarli? I dialoghi iniziati intorno all’installazione di Ricciardo proseguono in questo libro che coinvolge una polifonia di voci.

Qual è la tua idea di luogo naturale? Partendo da questa domanda, rivolta a un pubblico eterogeneo, differente per età, professione e nazionalità, l’artista Claudia Losi ha costruito Being There. Oltre il giardino, ultimo capitolo di una ricerca ormai ventennale inteso come quella tessitura di senso, percezione e memoria che l’umano attiva guardando al mondo. Nel condurre la propria indagine, Losi ibrida il linguaggio sociologico-scientifico con quello artistico, traducendo le numerose risposte alla sua domanda (circa quattrocento, raccolte tramite una call e una serie di seminari) in immagini e disegni tessuti su un arazzo di 18 metri. L’opera sintetizza graficamente i contributi raccolti durante le varie fasi della ricerca, costituendo un diario visivo tra parola e disegno. Il presente libro raccoglie una serie di tracce in forma di contributi testuali, disegni e documentazione fotografica dei viaggi e delle opere che hanno costituito il percorso del progetto. Con contributi testuali di: Giorgio Vallortigara, Mauro Sargiani, Ugo Morelli, Riccardo Komesar, Cesare Raimondi, Gioia Laura Iannilli, Alice Benessia.

Epidermis raccoglie suggestioni e scansioni dello spazio urbano, o piuttosto del suo manto decorativo, come pratica analitica per rilevare le storture e insidie del godimento collettivo e democratico dei suoi spazi pubblici. Il libro-cartella dell’artista cipriota Meletios Meletiou, stampato in 100 copie, si compone di quindici tavole stampate in quadricromia e monocolore a partire da elaborazioni grafiche in cui l’artista modella e plasma digitalmente un nucleo di pattern iconici dell’architettura ostile.

Looking for Rianbow è un’azione attivata da Davide D’Elia nel quartiere di Shoreditch a Londra nel 2008 per lanciare una raccolta di immagini e dati su arcobaleni o formazioni iridescenti e farne un database cui attingere per opere successive. Oggi quei volantini colorati, strumenti primari per innescare tale raccolta, tornano in un piccolo volume, in edizione limitata di 50 copie, abbinato al libro Tiepido Cool.

Looking for Rianbow è un’opera cartacea e ossessiva di Davide D’Elia che racconta di una ricerca che da un volantino dalla tipica grafica “cercasi/vendesi/affittasi” muove verso un tentativo di sperimentazione pittorica servendosi del coinvolgimento di una comunità non controllata. Tiepido Cool raccoglie la ricerca artistica di Davide D’Elia degli ultimi quindici anni in un racconto per immagini che segue il criterio poetico introdotto dal titolo. Le due parole, Tiepido, italiana, e Cool, inglese, guidano il susseguirsi delle opere in un percorso che privilegia l’esperienza percettiva piuttosto che quella cronologico-biografica.

Tiepido Cool raccoglie la ricerca artistica di Davide D’Elia degli ultimi quindici anni in un racconto per immagini che segue il criterio poetico introdotto dal titolo. Le due parole, Tiepido, italiana, e Cool, inglese, guidano il susseguirsi delle opere in un percorso che privilegia l’esperienza percettiva piuttosto che quella cronologico-biografica. Percepite dall’artista come antitetiche, Londra e Roma diventano le due estremità di un discorso che confluisce in un punto di equilibrio, mettendo in luce la dualità su cui si impernia il suo lavoro, anch’esso caratterizzato da una doppia appartenenza, all’arte e alla comunicazione. Formatosi come visual designer e approdato a Londra nei primi anni 2000 come creativo, è qui che D’Elia inizia a mettere a fuoco i temi di un’indagine estetica che, al rientro a Roma nel 2011, diventa pienamente consapevole. Le due anime dell’artista si completano permeando opere “calde” di natura organica e opere “fredde” dominate dell’uso di una pittura antivegetativa color iris blue; tra i due estremi un ciclo di lavori “cool” in cui il lessico della boa traduce questa necessaria convivenza tra dicotomie.
Due testi, di Elisa Del Prete e Mike Watson, a loro volta antitetici per latitudine, formazione e stile, tracciano le linee guida per una lettura mai esaustiva del lavoro di D’Elia.

Tiepido Cool è realizzato grazie al sostegno dell’Italian Council (X edizione, 2021), programma di promozione internazionale dell’arte italiana della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura; coordinato e prodotto dall’associazione culturale Nosadella.due con la curatela di Elisa Del Prete e Silvia Litardi del direttivo curatoriale NOS Visual Arts Production, in collaborazione con Viaindustriae publishing e < rotor > Center for Contemporary Art (Graz), partner culturali: Musei Civici d’Arte Antica | Settore Musei Civici Bologna (Museo Davia Bargellini, Bologna); MAXXI, Museo delle Arti del XXI Secolo (Roma); Myymälä2 Gallery (Helsinki); Centre for Poetic Innovation, Universities of Dundee and St Andrews (St Andrews); Cultural Center GRAD (Belgrado).

Bibliothèque d’un Amateur. Richard Prince’s Publications è una pubblicazione-bibliografia di libri e cataloghi d’artista concepiti da Richard Prince dal 1980 al 2020. Il libro è pensato come una biblioteca di titoli schedati con caratteristiche editoriali e stato di usura, catalogando e fotografando di fatto una collezione che è andata in mostra prima a Spoleto poi a Parigi. Questo libro non è un vero e proprio catalogo ragionato, ma piuttosto un invito a sfogliare la biblioteca di un “amatore” e ci permette di considerare questo importante aspetto del lavoro di Richard Prince, artista che si occupa di libri, della pratica del collezionare e della sua incompletezza, qui rivelata dai “fantasmi” dei libri mancanti. Richard Prince è un appassionato designer e collezionista di libri; questo zelo e questo fervore traspaiono in molte opere in cui fotografa i libri della sua collezione, trasformando una pubblicazione in una biblioteca infinita. Bibliothèque d’un Amateur è anche il catalogo della mostra ALL BOOKS AND SOME PRINTS al Centre de la Photographie Genève (16 marzo-30 maggio 2021). Ristampa aggiornata del libro con lo stesso titolo pubblicato nel 2013.