The Sound of Normalisation è una raccolta di registrazioni audio che documentano la cultura sonora del gruppo Brescia 1911. Il progetto esplora l’evoluzione del canto ultras in relazione al calcio moderno ed alle misure di controllo che puntano all’eliminazione del tifo organizzato. Le registrazioni sono state realizzate in un periodo di quindici anni e trattano i seguenti temi 1) creazione, utilizzo e significato del canto 2) principi e identità del gruppo 3) partecipazione del pubblico e processo di esclusione sociale dallo stadio 4) repressione poliziesca e implicazioni politiche dei canti 5) trasformazione del canto in relazione alla determinazione del 2007 che vieta di introdurre i tamburi allo stadio. Ogni registrazione è accompagnata da un breve testo introduttivo ed è presentata in formato video con sottotitoli.

The Map is not the Territory (Montedellarte) è un libro d’artista, un video e un’installazione che visualizza il risultato artistico e il processo di Montedellarte.
Le persone a volte confondono la rappresentazione della realtà con la realtà stessa. La mappatura di un territorio, quindi, non costituisce il territorio attuale. Nonostante i nostri migliori sforzi per controllare il mondo che ci circonda, spesso falliamo. La percezione non sempre coincide con la realtà.
Il 1 ° ottobre 2017, l’artista belga Griet Dobbels ha prodotto l’happening artistico Montedellarte sul Monte Cucco a Biella. Un gruppo di escursionisti ha tracciato una mappa fisica nel paesaggio camminando lungo una linea di contorno. Persone da tutto il mondo possono guardare e partecipare all’escursione tramite il sito web e l’app del progetto.
Il libro dell’artista, prende la forma di una mappa geografica stratificata. Ogni livello sulla mappa corrisponde a un aspetto diverso del processo dietro il progetto ed è un tentativo di controllare il caos attraverso una mappatura intensiva.
L’installazione consiste di due lightbox ed è concepita come una presentazione 3D del libro dell’artista.

Catalogo della mostra Ugo La Pietra. Istruzioni per abitare la città 1966-2018, presso il CIAC di Foligno, 24 marzo – 30 settembre 2018, a cura di Italo Tomassoni, Giacinto di Pietrantonio, Giancarlo Partenzi. Dodici aree di ricerca sono precedute per la loro comprensione da “Istruzioni” che offrono la chiave di lettura delle opere. Il percorso si dipana attraverso un centinaio di opere bidimensionali, brani video, oggetti tridimensionali e un’installazione. Al centro è installata una “Casa Aperta”, una struttura in scala reale con una serie di arredi realizzati attraverso la pratica che l’autore definisce “Riconversione progettuale”: alcuni elementi di arredo urbano vengono riconvertiti in elementi di arredo domestico.

Catalogo della mostra Perché il cielo è di tutti e la terra no?, presso il CIAC di Foligno, 24 marzo – 30 settembre 2018, a cura di Italo Tomassoni, Giacinto di Pietrantonio, Giancarlo Partenzi. La mostra Perché il cielo è di tutti e la terra no? di Giuseppe Stamponeospitata dal CIAC Centro Italiano Arte Contemporanea di Foligno dal 24 marzo al 30 settembrepresenta la produzione recente dell’artista con diversi suoi lavori legati ad alcuni temi-chiave che va sviluppando da tempo: la dilatazione e la riappropriazione del proprio tempo intimo, tramite disegni stratificati, eseguiti con la penna BIC in nero, rosso e blu, di immagini iconiche prese dal web e rielaborate in pezzi unici in un processo di ribellione alla dittatura dello spazio-tempo frenetico in cui tutti siamo immersi; la reinterpretazione di quadri storici in chiave contemporaneacon la denuncia del fenomeno migratorio e della estrema povertà di grandi fasce della popolazione mondiale; la battaglia per una educazione globale,attraverso mappe, guide turistiche e abecedari, che invitano a riflettere su temi attuali come le migrazioni, le risorse idriche, le guerre.

Questo libro documenta il progetto di ricerca e residenza Manufatto in Situ fondato da viaindustriae (2007-2017). Inizialmente basato su una specifica ricerca-azione nel paesaggio marginale e radicale dell’area rurale-montana di Cancelli e della Valle del Menotre, Manufatto ha poi utilizzato metodi ipertestuali e progetti extra-situ per disegnare collegamenti tra i diversi siti, i tipi di intervento e i paesaggi “tematici”. Il risultato è un’ampia indagine, una mostra e un libro di arte-architettura-natura sullo spazio pubblico, le pratiche artistiche site-specific, gli interventi e studi sul paesaggio in Italia e confini. Questo progetto di archivio è costituito di 10 sezioni tematiche composte di tracce artistiche, opere e documenti relativi a 10 paesaggi umbri, collegati a loro volta a 10 siti “paralleli” extra-regionali, ambienti ed esperienze storiche radicali dagli anni ’60 fino ad oggi. Ciò introduce una supervisione non ortodossa e critica del paesaggio contemporaneo, tra arte ambientale e architettura, natura e città. Questo catalogo è il tentativo di inglobare il vasto database della mostra, concepita come un sistema integrabile di documentazione orizzontale (documentario/tavolo), inventario verticale (muro), e di “proiezioni”, artefatti provvisionali, forme complesse situate nel paesaggio (utopia/piramidi). I testi pubblicati sono estratti dal materiale generato e raccolto durante il corso dela programma di residenza e della mostra.

Questa pubblicazione intende esplorare le “public aktionen” di Nitsch nella misura in cui vengono registrate, segnate, dirette, scritte, fotografate, pubblicate e segnalate. A tal fine, si concentrerà su quattro categorie che rappresentano la costellazione di Nitsch: pre-documenti, documenti, post-documenti, reliquie. La fase preparatoria (pre-documenti) consiste in ricerche (testi teorici, manifesti, disegni) e annunci, poster; la fase pragmatica (documenti) di documenti istruttivi e operativi (partiture fisiche, opuscoli o volantini usati direttamente nella performance) e le informazioni iconografiche, documentazione (fotografie, recordings). I post-documenti sono gli action-books, le pubblicazioni dell’artista, i video, i cataloghi e, in casi isolati, le conferenze stampa, i mezzi di stampa e i report di polizia. Questi metodi di archiviazione tentano di esplorare la pratica off-media e performativa di Nitsch, sia in termini di organizzazione delle performance, sia per capire in che modo l’organizzazione è influenzata dagli scritp originali e primari preparati da Nitsch per le proprie azioni (eseguite o non eseguite), così come nei suoi testi teorici sul “o.m. theater“.

La Serpara è un giardino di sculture fondato da Paul Wiedmer nel 1997 in una suggestiva valle nel territorio comunale di Civitella d’Agliano, proprio al confine tra il Lazio e Umbria. Dopo venti anni di attività, in cui il giardino ha invitato a realizzare sculture nella valle a circa trenta artisti provenienti da tutto il mondo, il giardino celebra il legame tra arte e natura in un nuovo libro, a dieci anni dal catalogo edito da Kehrer Verlag. La Serpara è un luogo plurale per vocazione. Intorno ad ogni inaugurazione, ad ogni festa si radunano decine di persone da tutta Europa.

Questo libro è il risultato conclusivo di un progetto Erasmus+ durato tre anni, intitolato FoodPassport, un progetto che affronta la tematica del cibo come elemento di socializzazione e costruzione di un’identità europea collettiva. FoodPassport è un programma triennale (2014-2017) della Comunità Europea nell’ambito di Erasmus + KA2 – Cooperazione per l’innovazione e lo scambio di buone pratiche. I temi principali del progetto sono alimentazione sana, stili di vita sani, abitudini alimentari e preparazione dei pasti tradizionali dei paesi partner (Bulgaria, Lettonia, Polonia, Turchia, Olanda, Italia, Portogallo) con l’obiettivo di ottenere pari possibilità di inclusione nella società attraverso una coscienza collettiva e un’identità basata sul cibo.

“La carta sonora degli Orti di San Pietro”  è stato prodotto in occasione di UmbriaLibri 2015 e 2016, durante la nona e decima edizione di Manufatto in Situ, laboratorio di arte e paesaggio a cura di Viaindustriae applicato nell’articolato sistema ambientale dell’Orto Medievale e dell’Orto Sociale-didattico di San Pietro, in collaborazione con Fonoteca Regionale Trotta, il Centro di Ateneo per i Musei Scientifici dell’Università di Perugia e con il Dipartimento di Scienze Agrarie, Alimentari e Ambientali.
Il workshop ha ospitato in residenza 18 giovani artisti visivi e sonori e 5 visiting artists, provenienti da ambiti di formazione diversi, i quali hanno registrato e mappato, documentato e reinventato i luoghi dei tre Orti e delle loro relazioni sociali, fino ai live in situ “Campestre, mimetica”. Da questa sperimentazione, questo primo “Quaderno di Campo” con allegato un CD audio (del concerto-performance eseguito all’Orto Sociale anche con l’apporto di canti popolari umbri inseriti nell’elaborazone dal vivo), editi da Viaindustriae suono quali prototipi di una collana editoriale in collaborazione con la Fonoteca Trotta. Questa cartografia configura e propone un intervento regionale più sistematico a partire dal modello Carta Sonora per delineare una geografia di “luoghi acustici” interessanti in termini di soundscape/paesaggio sonoro/ascolto. Come copertina della ricerca editoriale, Eugenio Faina, fondatore dell’Istituto Superiore Agrario di San Pietro, creato sin dall’inizio (1894) come un terreno pedagogico “sperimentale”.

Catalogo della mostra Hermann Nitsch. O.M. Theater colore dal rito, presso Centro Italiano Arte Contemporanea di Foligno dal 25 marzo al 9 luglio 2017. Hermann Nitsch, dopo una fase iniziale conforme ai repertori della poetica body, arriva a una concezione dell’arte assai più complessa e articolata immaginando una visione del mondo che precede e sorpassa la conoscenza scentifica e un’idea dell’arte puramente formale. Pratica liturgicamente mitologie naturali e medita sul mistero del tempo e della morte.
[…] La mostra di Hermann Nitsch allestita al Ciac con una selezione di oltre quaranta opere dal 1984 al 2010, raggruppate in nove diversi cicli, evidenzia un assetto teorico e modalità curatoriali rapportabili a quelle che, nel 2014, sono state rappresentate nella mostra “Arena. Werk aus dem Werk” (Arena. Opera nell’opera) nata dalla collaborazione tra due musei monografici dell’artista; quelle di Mistelbach in Austria, fondato nel 2007 nel Weinvertel, ove Hermann Nitsch vive ed opera; e il museo Nitsch di Napoli fondato dallo storico gallerista dell’arte del corpo e delle performance, Giuseppe Morra, nel 2008. Sostanzialmente, anche la mostra di Foligno allinea, nell’ arena del Ciac, “opere dall’opera” nel senso che documenta la progettualità delle azioni e i materiali derivanti dalle azioni medesime che, nell’allestimento espositivo, acquisiscono autonomia di opere d’arte lungo spostamenti analogici e suggestioni metaforiche.

Sportification è uno stunt-book, una pubblicazione performativa composta di euro-testi, un archivio vivente di 400 performance artistiche, 250 playground, messi in scena dal 1965 al 1999 in diverse città europee durante la vita del famoso tv game show Jeux Sans Frontières. Gli autori con un approccio ludico-artistico hanno testato molti campi da gioco. Le tre sezioni di indagine, Eurovision, Performativity e Playgrounds, organizzano i contenuti e contributi di una ricerca a lungo termine. Questo epculiare sistema comparativo tra arte e gioco stabilisce una nuova definizione inter-media della performance art europea, dove azioni gioco artistiche, performance e happening interagiscono con il mondo sub-bob televisivo.

Lonely è una guida al Ponte delle Torri, una delle mete preferite da viaggiatori, artisti e suicidi. È una piccola pubblicazione di esplorazioni estreme, al confine tra letteratura di viaggio, finzione e dossier del crimine. Lonely è una pubblicazione sulla falsariga della guida turistica ‘Lonely Planet’ che tratta il concetto di viaggio, il suo contesto storico, artistico e sociologico, in modo trasversale. Diversi temi sono inclusi e discussi: tempi di caduta, salto, danni, storia, ambiente, hotel e ristoranti per l’ultimo pasto, arte e un’ampia sezione dedicata ad altri luoghi collegati al suicidio in Italia e non solo. In questo modo, invece di spingere il turista verso l’atto del suicidio, questa guida cerca di annoiarlo e di “rovinare la festa”.

Michel Butor. L’univers géopoétique raccoglie la memoria di due progetti – Entre littérature et art, le paysage véritable e Michel Butor. L’opera giardino – che hanno visto l’autore francese ospite in Italia, nel 2012 e nel 2016. I testi presenti in questo libro ricompongono, tra scrittura e oralità, un recital a più voci che oscilla tra experimentum linguae e experimentum vocis, nel dar luogo della parola e della voce, alla scrittura, alla lettura. Protagoniste di questo meccanismo creativo dei parlanti, sono, con le parole di Michel Butor, le parole di Mireille Calle-Gruber e Paolo Fabbri e la prefazione di Isabella Bordoni.

l libro I Will Work For You For One Hour, But Someone Else Should Pay For It è un catalogo d’artista che documenta l’omonima mostra-progetto artistico avvenuta in un appartamento di Torino in concomitanza con la fiera d’arte contemporanea Artissima 2015.
Il volume è costituito da quattro sezioni primarie: lo scambio di “istruzioni” tra gli artisti per pensare-produrre-allestire le opere, i saggi che analizzano il progetto ma soprattutto il tema generale “lavoro e arte” e l’artista nella posizione di lavoratore, la mostra con le opere illustrate e l’appendice con immagini anastatiche di documenti storici dei “sindacalismi” artistici (Artists Union, Art Workers’ Coalition etc). I testi, dunque, sono sia quelli originali dedicati alla mostra sia quelli estratti e selezionati da scritti “storici” critici che approfondiscono il tema del lavoro e del progetto sviluppato in rete nella pratica artistica contemporanea internazionale. “I will work” affronta un tema poco indagato nell’editoria attuale e costituisce sia un catalogo descrittivo di una mostra / operazione artistica sia un saggio autonomo e ben illustrato sul tema.

Kiwi è un libro-laboratorio attivato da 2 associazioni (A di Città e Viaindustriae) che hanno incontrato le esigenze di un territorio. Si può definire una guida della città, un racconto sociale di Rosarno. Kiwi è un libro-comunità attivato attraverso un workshop editoriale tenutosi a Rosarno dal 3 al 9 ottobre 2014 e poi prolungato in due anni di attività redazionale partecipata. La condivisione del percorso con i rosarnesi ha portato ad un naturale scambio con il vissuto, gli accadimenti quotidiani della città e dei suoi abitanti.

Il volume, un catalogo annotato delle edizioni e dei multipli dell’artista dal 1967 ad oggi, è curato da Maurizio Nannucci. Le edizioni e i multipli di Nannucci, che occupano un quadro di questa vasta e prolifica pubblicazione, coinvolgono importanti musei, ricercatori e numerosi artisti internazionali. Il catalogo ragionato delle Edizioni di Maurizio Nannucci è organizzato in sezioni (multipli, fotografie / stampe / poster, cataloghi, edizioni, libri d’artista, audiovisivi, ephemera) e contiene descrizioni cronologiche delle sue opere dal 1967 ad oggi, accompagnate daun’antologia di testi di Carlo Belloli, Christophe Cherix, Stefano Chiodi, Anne Moeglin-Delcroix, Gabriele Detterer, Mario Diacono, Maurizio Nannucci, Hans Ulrich Obrist, Pier Luigi Tazzi e Tommaso Trini. Oltre trecento edizioni, tra cui libri d’artista, multipli, dischi, manifesti, stampe, foto, ephemera, audiovisivi, documentano vari momenti della straordinaria opera di Nannucci piuttosto unica nel panorama dell’arte contemporanea internazionale. Questa pluralità di media testimonia la sua pratica artistica interdisciplinare, che supera le separazioni e le gerarchie esistenti tra le varie forme.

Catalogo della mostra The Artist’s PC: technology and public computing, Le Botanique Centre Culturel, Bruxelles, 2014. Molti artisti di tutto il mondo (world web wide) online e offline salveranno e condivideranno il loro approccio artistico  su e attraverso gli strumenti dei media ICT: progetti di web art, proiezioni video, “postazioni” artistiche, pubblicazioni digitali, screenshot. Da “Public Computing” a “Social Computing”, questa ricerca ha portato a concentrarsi sulla sfera sociale sia come rete online che come contesto offline. Nello spazio tra comportamento sociale e sistema informatico gli artisti si collocano e lì il lavoro artistico si è sviluppato considerando i molteplici usi del social-media networking. Questa pubblicazione raccoglie progetti critici riguardanti il modo in cui la sfera sociale scambia dati, realtà, intenzioni verso un uso collettivo di strumenti digitali. Trattando vari aspetti della questione digitale-informatica, dalla Net art all’archivio pubblico online, dai comportamenti disocial network ai follower reali, questo libro può essere letto come uno strumento per condividere materiali inter/off-media e come manuale di disintossicazione per gli utenti che desiderano recuperare una dimensione sociale dell’attività digitale online.

Catalogo della mostra Per dipingere i venti, per disegnare dal vero di Roberto De Simone, a cura di Myriam Laplante presso COLLI independent art gallery, Roma. “Catturare un momento fugace e trasformarlo in infinito” potrebbe essere la chiave per decifrare il lavoro sfaccettato di Roberto De Simone. La sua opera è poetica: sublime ma razionale, audace, ironica e abbagliante. Sin dai primi anni Ottanta ha lavorato con una serie di media: oggetti, disegni, fumogeni, luci, fenomeni naturali, dispositivi tecnici, video, audio, fotografie e installazioni. Dai lanci spaziali agli oggetti in scatola che potrebbero generare eventi reali, le sue visioni prendono vita: immagini non solo intrinsecamente legate alle parole, ma anche il risultato di un’accurata ricerca scientifica. La mostra, curata da Myriam Laplante, presenta opere emblematiche della sua poetica dell’infinito. Le installazioni sono dispositivi progettati non solo come semplici opere ma concepiti per produrre e moltiplicare il segno, per dipingere i venti, per attingere alla realtà.

A metà strada tra libro d’artista e antologia di saggi, Del lancio è il risultato della ricerca condotta da un artista e da un curatore. L’ideazione della mostra The Pitcher (2015, Colli independent art gallery, Roma), in occasione della quale il libro è stato pubblicato, ha richiesto l’intervento di numerosi esperti: questi, se in alcuni casi hanno contribuito alla produzione materiale delle opere, in altri hanno fatto in modo che il tema portante dell’esposizione potesse essere lanciato ben oltre le circoscritte menti dell’artista e del curatore. Questo strano ibrido, metà opera d’arte e metà miscellanea scientifica, nasce, perciò, da una sentita esigenza di condivisione: una necessità che, all’atto pratico, si è tradotta in volume, ha preso la forma della carta stampata, rifiutando, ciononostante, di offrirsi come catalogo.

Vetrinetta è un progetto di fotografia sociale di Paolo Riolzi curato da Matteo Balduzzi. Il libro registra il percorso e l’archiviazione delle vetrinette “familiari” della città di Cinisello Balsamo attraverso la fotografia e l’intervista sociologica condotta da Paolo Volontè. Il volume è diviso per sezioni: archivio/processo, testi ricerca degli autori, storie/interviste sociologiche e fotografie d’autore. Vetrinetta è anche il catalogo della mostra che porta lo stesso titolo svolta al Museo della Fotografia Contemporanea di Cinisello Balsamo.

Catalogo di LuciSorgenti, esposizione d’arte contemporanea che nasce nel 2009 su idea e progetto di Studio A’87 di Franco Troiani, nei territori della Valnerina. L’esposizione a cadenza annuale, è dedicata prevalentemente a giovani artisti – e non solo – italiani e stranieri. Tra gli obiettivi ha quello di creare vive possiblità di confronto e di collaborazione tra artisti di diversa generazione, formazione e provenienza.

Fortuna è un progetto di sound art in due booklet e due cd. Il risultato è la registrazione di un processo e un percorso di soundworks, stazioni radio, visioni poetiche e azioni tra pubblico e privato. “Sequenze in 6×6, lo spazio tragico dell’infanzia” è di per sé volume, soglia, passaggio da un’età privata a una pubblica legata al periodo scolastico. “Sequenze in 6×6” è il ricordo del meccanismo con cui la ragazza e la donna si incontrano nel testo. Scritto nel 2004 tra Rimini e Brema, “Sequenze in 6×6” è un testo poetico biografico in un gioco tra madri e figlie – hanno invertito le proprie posizioni in una complessità e ambiguità genealogica. “Sequenze in 6×6” si svolge come quadri cinematografici / fotografici, un viaggio nell’infanzia / maternità.

YES YES YES è un saggio visuale, un libro di immagini che esamina il ruolo della stampa alternativa, underground e controculturale in un periodo fiorente: 1966-1977. Editori, autori, praticanti radicali di quella scena, intervistati in questo libro, ripensano quelle azioni e pubblicazioni che toccavano i temi dell’ urgenza sociale del cambiamento.
YYY tratta soprattutto la cultura visiva di riviste povere stampate in off-set, la loro grafica stupefacente e la loro estetica liberata in integrazione con il sistema di attivismi ed interventi politici. In questo modo le pagine dei giornali trattano i fatti e le notizie, ma anche supportano lo stile sovversivo e quel clima fervente che formò una rete sociale di stampatori, le autonomie creative e i sindacati per la distribuzione. In questa innovazione sistemica, la democratizzazione di stampa stimolava la sperimentazione del design grafico da un lato e la crescita della pratica editoriale in una cultura allargata alla comunità dall’altro.
Le riviste sono state catalogate secondo dei temi e, anche se collocate in una geografia incompleta, testimoniano uno scenario culturale internazionale tra Europa e America. YYY è una collezione di innumerevoli documenti sui diritti civili e movimenti di liberazione, che ha lo scopo non solo di conservare e riportare a memoria, ma anche di sfogliare le pagine viventi diffondendo contenuti radicali e layout creativi.